¿Cuantos artistas podemos nombrar que hayan estado en activo por dos años o menos, y que tengan una influencia tan vasta? La innovación de Buddy vino por lados que nosotros damos por hecho ahora, pero que en la época no eran comunes: el uso de guitarra, bateria y bajo en sus composiciones, la importancia de una guitarra solista, mejores y mas complejas melodías y algo más de elaboración en las letras. Buddy Holly, o Charles Hardin Holley, falleció a los 22 años en un accidente de avioneta, junto a Ritchie Valens, en el que desde esa fecha es denominado El día en que murió la música.
01. That'll be the day 02. Not fade away 03. Everyday 04. Peggy Sue 05. Listen To Me 06. Oh boy 07. Send me some lovin' 08. It's too late 09. Maybe baby 10. Rock me my baby 11. Rave on 12. Well... all right 13. Think it over 14. Lonesome tears 15. It's so easy 16. Early in the morning 17. It doesn't matter anymore 18. Raining in my heart 19. Peggy sue got married 20. Crying, waiting, hoping
En la parte inferior del escalón, hacia la derecha, vi una pequeña esfera tornasolada, de casi intolerable fulgor. Al principio la creí giratoria; luego comprendí que ese movimiento era una ilusión producida por los vertiginosos espectáculos que encerraba. El diámetro del Aleph sería de dos o tres centímetros, pero el espacio cósmico estaba ahí, sin disminución de tamaño. Cada cosa (la luna del espejo, digamos) era infinitas cosas, porque yo claramente la veía desde todos los puntos del universo. Vi el populoso mar, vi el alba y la tarde, vi las muchedumbres de América, vi una plateada telaraña en el centro de una negra pirámide, vi un laberinto roto (era Londres), vi interminables ojos inmediatos escrutándose en mí como en un espejo, vi todos los espejos del planeta y ninguno me reflejó, vi en un traspatio de la calle Soler las mismas baldosas que hace treinta años vi en el zaguán de una casa en Frey Bentos, vi racimos, nieve, tabaco, vetas de metal, vapor de agua, vi convexos desiertos ecuatoriales y cada uno de sus granos de arena, vi en Inverness a una mujer que no olvidaré, vi la violenta cabellera, el altivo cuerpo, vi un cáncer de pecho, vi un círculo de tierra seca en una vereda, donde antes hubo un árbol, vi una quinta de Adrogué, un ejemplar de la primera versión inglesa de Plinio, la de Philemont Holland, vi a un tiempo cada letra de cada página (de chico yo solía maravillarme de que las letras de un volumen cerrado no se mezclaran y perdieran en el decurso de la noche), vi la noche y el día contemporáneo, vi un poniente en Querétaro que parecía reflejar el color de una rosa en Bengala, vi mi dormitorio sin nadie, vi en un gabinete de Alkmaar un globo terráqueo entre dos espejos que lo multiplicaban sin fin, vi caballos de crin arremolinada, en una playa del Mar Caspio en el alba, vi la delicada osadura de una mano, vi a los sobrevivientes de una batalla, enviando tarjetas postales, vi en un escaparate de Mirzapur una baraja española, vi las sombras oblicuas de unos helechos en el suelo de un invernáculo, vi tigres, émbolos, bisontes, marejadas y ejércitos, vi todas las hormigas que hay en la tierra, vi un astrolabio persa, vi en un cajón del escritorio (y la letra me hizo temblar) cartas obscenas, increíbles, precisas, que Beatriz había dirigido a Carlos Argentino, vi un adorado monumento en la Chacarita, vi la reliquia atroz de lo que deliciosamente había sido Beatriz Viterbo, vi la circulación de mi propia sangre, vi el engranaje del amor y la modificación de la muerte, vi el Aleph, desde todos los puntos, vi en el Aleph la tierra, vi mi cara y mis vísceras, vi tu cara, y sentí vértigo y lloré, porque mis ojos habían visto ese objeto secreto y conjetural, cuyo nombre usurpan los hombres, pero que ningún hombre ha mirado: el inconcebible universo. Sentí infinita veneración, infinita lástima.
Pelican, banda de la que ya hemos hablado, tomó un rumbo mas crudo y directo, alejado del post rock, desde su disco City of Echoes. Este Ep confirma este rumbo, con tres canciones donde la melodía y la agresividad están por sobre el ambiente, y que sirven como introducción a su último disco, de este año, y que lo confirma. Atención a Geommetry of Murder, cover de una de las bandas madres del Sludge, Doom y música densa en general, Earth ( y con el mismo Dylan Carlson, fundador de la banda, a la guitarra)
Resurrection Through Carnage, del 2002 es el primer larga duración de la super-banda de Death metal Bloodbath. En ella tocan "super estrellas" de la escena metalera de Suecia. Miembros de conocidas bandas como Katatonia, October Tide, Edge of Sanity, Nightingale, o Diabolical Masquera son liderados por nuestro amigo Mikael Åkerfeldt de Opeth, que en Bloodbath ejerce de vocalista, dejando atras su lado "sutil y elegante " de Opeth, o sea dejando atras las guitarras acusticas y las voces limpias, para cantar cantar desde lo mas profundo de sus tripas sobre GORE, sobre demonios y baños de sangre. Es un disco redondito, lleno de tecnica. Con Akerfeldt mas gutural que nunca, una batería que cumple y una guitarra con una extraña distorsión, que no es mala, pero es extraña. Los dejo con un buen disco de Death Metalcon algunos toques trasheros, el disco debut de Bloodbath. Ideal para jardinear o para ir a tomar té con la abuelita.
Bloodbath - Resurrection Through Carnage [2002] 1. Ways to the Grave 04:09 2. So You Die 03:19 3. Mass Strangulation 03:32 4. Death Delirium 05:06 5. Buried by the Dead 03:14 6. The Soulcollector 03:38 7. Bathe in Blood 04:12 8. Trail of Insects 04:36 9. Like Fire 04:35 10. Cry My Name 04:41
Citando a Stephen O'Malley y a Greg Anderson, el séptimo disco de Sunn O))) constituye su obra más madura y ecléctica hasta la fecha. Manteniendo la estructura de guitarras distorsionadisimas que los hizo grandes dentro de su estilo, Sunn O))) vieron que si querían componer una obra mas perdurable, pretensiosa y que sobrepasara la mera experimentación y el ambient, debian recurrir a todos los elementos musicales de los que pudieran disponer. Para esto, suman colaboradores que van desde compositores ambient, sintetizadores y voces guturales hasta coros femeninos e instrumentos de formato clásico como cuerdas, vientos y metales. La riqueza y los matices del disco, mas allá que cualquiera de los otros que hayan compuesto anteriormente, debido a la limitación que puede tener(dejando de lado los trabajos colaborativos que han sacado) el trabajar con sólo guitarras y sintetizadores. Lo mas destacable del disco es como dejan de lado la estructura de sus anteriores obras, enfocandose mas en las melodías y en canciones menos lineales, con movimientos, que en la repetición. Monoliths & Monuments es la nueva música clásica del siglo XXI, y por fín podemos afirmar que la idea de música adelantada a su época ya se acabó, y que el pasado y el futuro al fín pueden encontrarse. Sunn O))) - Monoliths & Monuments [2009] I II
01. Aghartha 02. Big Church [megszentségteleníthetetlenségeskedéseitekért] 03. Hunting & Gathering (Cydonia) 04. Alice
Se pueden hacer muchas cosas como duo, formato preferido para la gente ni tan egomaniaca o megalómana para ser solista, ni tan pretencioso para ser una banda muy trascendental. Tomas una bateria, una guitarra con distorsiones no muy elaboradas, un par de sintetizadores y moduladores, un set básico de grabación, y te pones a componer canciones, pegandole encima algunas letras casi abstractas, y tienes un gran disco con pocas herramientas.
01. Superstition 02. Cat Claw 03. Pull A U 04. Kissy Kissy 05. Fried My Little Brains 06. Hand 07. Hitched 08. Black Rooster 09. Wait 10. Fuck The People 11. Monkey 23 12. Gypsy Death & You
Entrance se forma el año 2003, cuando el guitarrista Guy Blakeslee, Derek Kames y nuestra argentina favorita, Paz Lenchantin(de la que ya hemos escrito), se juntan a improvisar y mezclar sus influencias: sonidos blueseros, un poco de folk, y sobretodo psicodelia, de esa que sonaba hace décadas. Prayer of Death suena sobre todo este sonido psycho-blues, con los acordes típicos del blues pero con un toque lisérgico, y una aguda y reberverante voz. Además de la batería, el bajo (muy groove por cierto) y la guitarra, también existen pasajes con citaras indues y por supuesto, el infaltable violín de Paz... Les dejo el link, y la caratula gigante.
Entrance - Prayer of Death [2006] 01. Grim Reaper Blues - 4:29 02. Silence on a Crowded Train - 4:16 03. Requiem for Sandy Bull (R.I.P.) - 2:40 04. Valium Blues - 5:24 05. Pretty Baby - 6:38 06. Prayer of Death - 4:42 07. Lost in the Dark - 8:30 08. Never Be Afraid! - 3:47
Es usual que nos pase a todos quienes escuchamos música, pero siempre pensamos que ciertos discos, cantantes o bandas que escuchamos deberia tener mas reconocimiento, ya sea porque creemos que son tan grandes como cualquier "leyenda" o porque tienen un especial significado para nosotros.En el caso de Dinosaur Jr, creo que confluyen estos dos elementos, mas otro, quizás mas importante, el de la influencia. Dinosaur Jr, junto a Sonic Youth,Pixies y los Melvins en menor medida (ya que el legado de estos iria hacia otro lado,el del Doom, Sludge y Stoner), son quienes básicamente parieron todo el movimiento rock de los noventas, desde Nirvana (solo hay que ponerle atención a la forma de cantar de Macis, en la que Kurt se inspiraría). You're living all over me, de Dinosaur jr, es su segundo disco,y el último en ser lanzado por la formación original. El hecho que haya salido el 87, junto a los inicios de los Pixies (Come on Pilgrim EP) y a la consagración de Sonic Youth (ya habian sacado Sister, y estaban por sacar Daydream nation, su disco icónico) no es gratuito. Habia un sentimiento en la época que permitia crear música así, con una mezcla impensable de guitarras duras y letras muy dolientes y sufridas. Sobre el disco, creo que es el más emocional de los discos que salieron ese año, en que su experimentación y el ser tan atipico no es tan consciente como lo que buscaban los Pixies y Sonic Youth, lo que lo hace mas directo. Un pequeño gran disco, dura lo necesario y es mas técnico de lo que parece, a pesar del sonido lowfi. El por que de la caída al olvido de los Dinosaur Jr es explicable, debido a su falta de estabilidad como banda, y a grandes períodos de inactividad,siendo mantenida su historia y legado por un puñado de fans,pero que valoran a la banda como es, un ente tremendamente creativo, que mezcla guitarras distorsionadisimas con una sensibilidad pop que serían la marca registrada de bandas posteriores como Smashing Pumpkins, Nirvana y sus contemporáneos.
Cuando el día termina, el sol se hunde en la tierra, junto con todo lo que se perdió y se ganó.Cuando el día termina.
Hoy día se cumplen cuarenta años desde que Nick Drake publicó Five Leaves Left, su primer disco. Muerto a los 26 años , producto de una depresión patológica que lo persiguió desde su juventud, extrañamente su música, a pesar de ser profundamente emocional y melancólica, no es triste en el sentido estricto de la palabra. Todos esos cantautores que amamos, desde Tim y Jeff Buckley, tienen su origen en Drake, un hombre profundamente espiritual que no supo jamás como canalizar sus sentimientos.
Nick Drake-Five Leaves Left [1969] 1. Time has told me 2. River man 3. Three hours 4. Way to blue 5. Day is done 6. 'Cello song 7. The thoughts of Mary Jane 8. Man in a she 9. Fruit tree 10. Saturday sun
Los Eps o demos casi siempre muestran el potencial de una banda, el que termina explotando en el primer disco. Year Long Disaster, liderados por el enorme bajista de Karma To Burn, (una de mis bandas hard favoritas)Rich Mullins y el cantante/guitarra Daniel Davies, hijo del mito de los Kinks Dave Davies, hacen cinco temazos que suenan como unos led Zeppelin áridos con una voz que recuerda mucho al Cornell pre-superunknown. No les van a cambiar la vida, pero es´tas cinco canciones son muy disfrutables y los instrumentos suenan muy bien, con una producción casi de 4 pistas. En este caso, creo que Year Long Disaster lograron un ep mucho más crudo e interesante que su primer disco homónimo, pero ese es otro tema.
Year Long Disaster - EP [2007] 01.The Mad Shrew 02.Victory At Sea 03.Trading Favors 04.You Don't Want to Let Me Down 05.Shapeless Nasty
